Un'affascinante storia familiare raccontata dalle donne che gravitarono attorno all'architetto Ludvig Mies van der Rohe (1886 – 1969): sua moglie Ada, le sue figlie Georgia, Manna e Traudel e la sua amante Lilly Reich. Mescolando documentario e finzione con documenti inediti e straordinarie foto d'archivio, il film esplora l'universo artistico e umano del grande architetto e designer tedesco. Un'intervista immaginaria con Georgia van der Rohe — interpretata dalla grande attrice Katharina Thalbach — abbraccia l'arco drammatico della storia delle donne attorno a Mies che, quando fuggì negli Stati Uniti nel 1938, dovettero affrontare da sola il nazismo. La vita di Van der Rohe viene ricostruita partendo dal libro della figlia ballerina e poi attraverso una raffinata architettura cinematografica.

A fascinating family story told by the women who gravitated around the architect Ludvig Mies van der Rohe (1886 – 1969): his wife Ada, his daughters Georgia, Manna and Traudel and his lover Lilly Reich. Mixing documentary and fiction with unpublished documents and extraordinary archive photos, the film explores the artistic universe of the great German architect and designer. A fictional interview with Georgia van der Rohe — played by the great actress Katharina Thalbach — embraces the dramatic arc of the story of the women around Mies who, when he fled to the United States in 1938, had to face Nazism alone. Van der Rohe's life is reconstructed starting from his dancer daughter's book and then through a refined cinematic architecture.

architecture

The Mies van der Rohes
Sabine Gisiger, Switzerland, 2023, 81’, English, German

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Sabine Gisiger
fotografia / photography:  Helena Vagnières, Christine Munz
montaggio / editing: Barbara Weber
musica / music: Balz Bachmann
suono / sound: Peter Bräker
produzione / production: Swiss Film
distribuzione / distribution: Wanted Cinema

La ricerca di Anicka Yi si situa sulla soglia tra arte e scienza. Il suo studio è un vero e proprio laboratorio dove — con l’aiuto di ingegneri informatici, chimici, esperti di intelligenza artificiale — l’artista sperimenta materiali viventi e non ortodossi come batteri, essenze aromatiche, fiori fritti, vermi, gel per ultrasuoni, saponi alla glicerina. Esplorando la trasformazione delle sue opere e bilanciando deperibilità e permanenza, Anicka Yi riconosce il cambiamento e la distruzione come componenti essenziali della vita umana.

Anicka Yi's research is situated on the threshold between art and science. Her studio serves as a true laboratory where — with the help of computer engineers, chemists, artificial intelligence experts — the artist experiments with living and unorthodox materials such as bacteria, aromatic essences, fried flowers, worms, ultrasound gels, and glycerin soaps. By exploring the transformation of her works and balancing perishability and permanence, Anicka Yi acknowledges change and destruction as essential components of human life.

art and environs

Anicka Yi – Art21
Malika Zouhali-Worrall, United States, 2023, 12’, English

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Malika Zouhali-Worrall
fotografia / photography:  Naiti Gámez
montaggio / editing: Steven J. Golliday
musica / music: Andrew Orkin
suono / sound: Alberto Ladduca, Lily van Leeuwen, Tommaso Zerbini
produzione / production: ART21, Danielle Varga

Ritratto nell'intimità del proprio studio, pochi mesi prima della sua scomparsa nel marzo 2023, Piero Gilardi racconta dettagli della sua vita e del suo lavoro, facendo luce sul suo ruolo di ponte negli anni Settanta tra la scena artistica americana e quella italiana. Le sue opere in poliuretano espanso riproducono fedelmente scenari naturali come il letto di un fiume, una spiaggia ghiaiosa, un orto, un giardino o un sottobosco. Il suo lavoro è allo stesso tempo ironico e critico verso l’intervento dell’uomo che ha trasformato la natura in una realtà asettica e artificiale. Il documentario è stato girato in occasione della mostra Gilardi: Tappeto-Natura, presso Magazzino Italian Art di Cold Spring, New York ed è arrichito da interviste con la curatrice Elena Re e con il direttore Vittorio Calabrese.

Portrait in the intimacy of his own studio, a few months before his passing in March 2023, Piero Gilardi reveals details about his life and work, shedding light on his role as a bridge between the American artistic scene and the Italian scene of the 1970s. His polyurethane foam works faithfully reproduce natural settings such as a riverbed, a gravel beach, a vegetable garden, a garden, or undergrowth. His work is simultaneously ironic and critical of human intervention that has transformed nature into a sterile and artificial reality. The documentary was filmed on the occasion of the exhibition Gilardi: Nature Carpet, at Magazzino Italian Art in Cold Spring, New York, and is enriched by interviews with curator Elena Re and director Vittorio Calabrese.

art and environs

Gilardi: Tappeto-Natura
Domenico Palma, United States, 2023, 21’, English, Italian

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Domenico Palma
fotografia / photography:  Domenico Palma, Angelo Silvio Vasta
montaggio / editing: Domenico Palma
musica / music: Schumann, Debussy
produzione / production: Magazzino Italian Art

A cinquant'anni dalla sua morte, Picasso rimane ancora un’icona. Il suo nome, sinonimo della rivoluzione dell'arte moderna del XX secolo, è conosciuto in tutto il mondo, tuttavia la sua leggenda ha richiesto tempo per costruirsi. Prima della Seconda guerra mondiale la sua reputazione come maestro del cubismo era limitata al mondo dell'arte e ai collezionisti, ma alla fine della sua vita le sue opere erano esposte in ogni continente e l'artista era diventato immensamente famoso. Profondamente colpito dalla Guerra civile spagnola, rimase a Parigi durante l'Occupazione, senza compromettersi. Dopo la Liberazione, aderì al Partito comunista francese acquisendo lo status di resistente e persino di eroe e disseminò strategicamente i suoi quadri in tutto il paese, spesso tramite donazioni, a musei, giornali e istituzioni culturali.

Fifty years after his death, Picasso remains a sacred monster. His name, synonymous with the revolution of 20th century modern art, is known the world over, however his legend was not built overnight. Before the Second World War, his reputation as a master of cubism had been limited to the art world and collectors, but by the end of his life his works were on exhibition on every continent and the artist had become immensely famous. The Spanish Civil War had heightened his awareness; thus, he chose to remain in Paris during the Occupation managing not to compromise himself. Following the Liberation, he joined the French Communist Party and was recognized as having been a “resistance artist” and even a hero. He then strategically disseminated – frequently donated – his paintings throughout the country to museums, newspapers, and cultural institutions.

art and environs

Picasso sans légende
Manuelle Blanc, France, 2023, 52’, French, Spanish

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Manuelle Blanc
fotografia / photography:  Julien Pamart
montaggio / editing: Agathe Cauvin, Muriel Breton
musica / music: Stéphanie Blanc, Jérôme Levatois
suono / sound: Sylvain Delecroix, Antoine Rodet
produzione / production: Folamour Productions

Luigi Ghirri ha scritto con regolarità durante tutta la sua vita. La sua fotografia si riflette nella sua scrittura che è insieme affermazione poetica, argomentazione esistenziale, diario che interroga il presente. Partendo dai suoi scritti, il documentario ripercorre le tappe cruciali della sua vita. Un viaggio nei luoghi della provincia, uno studio di terre, acqua, colline, orizzonti infiniti; una ricerca sul suo lavoro fotografico concepito non in termini di singola immagine, ma come un alfabeto in cui ogni immagine esiste solo grazie alle altre. I compagni di questo viaggio sono gli artisti Franco Guerzoni e Davide Benati, lo storico dell’arte Arturo Carlo Quintavalle, lo stampatore Arrigo Ghi, il fotografo Gianni Leone, il musicista Massimo Zamboni, e infine la famiglia che rappresentava per Ghirri il sentimento di appartenenza a una comunità ordinaria ma unita. Stefano Accorsi dà voce ai suoi testi.

Luigi Ghirri wrote at regular intervals throughout his life. His photography is reflected in his writing, which is at once a poetic statement, an existential argument, and a diary that ponders upon the present. Starting from his writings, the documentary chronicles the crucial stages of his life. It is a journey to various rural locations, a study of land, water, hills, infinite horizons; an exploration of his photographic work conceived not only in terms of a individual image, but rather as an alphabet in which each image exists only thanks to the others. The companions on this journey are artists Franco Guerzoni and Davide Benati, art historian Arturo Carlo Quintavalle, printer Arrigo Ghi, photographer Gianni Leone, musician Massimo Zamboni, and finally the family that, for Ghirri, embodied the feeling of belonging to an ordinary but united community. Stefano Accorsi lends his voice to Ghirri's texts.

photography

Infinito. L’universo di Luigi Ghirri 
Matteo Parisini, Italy, 2022, 73’, Italian

regia / direction: Matteo Parisini
fotografia / photography:  Luca Nervegna
montaggio / editing: Matteo Parisini
musica / music: Simonluca Laitempergher
suono / sound: Mirko Fabbri
produzione / production: Ladoc

Il film è il viaggio di un padre e un figlio alla ricerca della città-utopia di Arcosanti, la città del futuro costruita nel 1970 nel deserto dell’Arizona dall’architetto italiano Paolo Soleri (1919-2013), allievo di Frank Lloyd Wright. Un viaggio, accompagnato dalla colonna sonora di Calexico, Naim Amor & John Convertino e Joachim Cooder, che è anche il regalo di compleanno a un figlio che diventa uomo. Soleri viene raccontato attraverso gli occhi puri di un aspirante architetto con le antenne apertissime verso quello che accade nel mondo e verso ciò che ognuno di noi può fare per contribuire a migliorarlo.

The film is the journey of a father and son in search of the utopian city of Arcosanti, the city of the future built in 1970 in the Arizona desert by Italian architect Paolo Soleri (1919- 2013), a student of Frank Lloyd Wright. A journey, accompanied by the soundtrack by Calexico, Naim Amor & John Convertino, and Joachim Cooder, which is also a birthday gift to a son coming of age. Soleri is portrayed through the fresh eyes of an aspiring architect with antennas tuned to what is happening in the world and to what each of us can do to contribute to making it better.

architecture

Ask the Sand
Vittorio Bongiorno, Italy, 2022, 67’, Italian, English

regia / direction: Vittorio Bongiorno
fotografia / photography:  Nicola Cavalazzi
montaggio / editing: Angelica Gentilini
post produzione e coloring / post production and coloring: Lorenzo Capurro
musica / music: Giulio Bongiorno, Vittorio Bongiorno
produzione / production: Sonne Film,Milk Korowa Film

Hank Willis Thomas esplora il modo in cui la società americana mercifica l’identità maschile nera. Le sue opere che spaziano tra fotografia, scultura e installazioni, riflettono sulle logiche di oppressione e sulla giustizia sociale. Questo cortometraggio lo segue mentre lavora a The Embrace (2023), un memoriale pubblico per Martin Luther King e sua moglie installato nel parco Boston Common.

Hank Willis Thomas explores how American society commodifies black male identity. His works, spanning photography, sculpture, and installations, reflect on the mechanisms of oppression and social justice. This short film follows him as he works on The Embrace (2023), a public memorial for Martin Luther King and his wife installed in Boston Common Park.

art and environs

Hank Willis Thomas – Art21
Malika Zouhali-Worrall, United States, 2023, 14’, English

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Malika Zouhali-Worrall
fotografia / photography:  Naiti Gámez
montaggio / editing: Steven J. Golliday
musica / music: Andrew Orkin
suono / sound: La’Ron Cooper, Damon Karys, Taylor Roy, Emily Strong
produzione / production: ART21, Danielle Varga

Il lavoro di Tauba Auerbach spazia dalla pittura alla tessitura, dalla lavorazione del vetro alla fotografia, dalla stampa 3D alla creazione di libri, al design di strumenti musicali ed esplora le possibilità poetiche di strutture e sistemi complessi. Tra i suoi progetti più significativi figurano Auerglass Organ (2009), un organo a pompa per due persone creato insieme alla cantante Cameron Mesirow nota come Glasser, e Flow Separation (2018), per il quale l'artista ha dipinto l’intera superficie di una storica imbarcazione dei vigili del fuoco di New York ispirandosi alle tecniche di mimetizzazione e ai modelli fluidi prodotti dalla scia dell’imbarcazione.

Tauba Auerbach's work ranges from painting to weaving, from glassmaking to photography, from 3D printing to book creation, from drawing to musical instrument design, exploring the poetic possibilities of structures and complex systems. Their most significant projects include Auerglass Organ (2009), a two- person pump organ created together with musician Cameron Mesirow known as Glasser, and Flow Separation (2018), for which the artist painted the entire surface of a historic New York City fire department boat inspired by camouflage techniques and the fluid patterns produced by the boat's wake.

art and environs

Tauba Auerbach – Art21
Malika Zouhali-Worrall, United States, 2023, 14’, English

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Malika Zouhali-Worrall
fotografia / photography:  Naiti Gámez
montaggio / editing: Steven J. Golliday
musica / music: Andrew Orkin
suono / sound: Jim Taylor Roy
produzione / production: ART21, Danielle Varga

Il primo lungometraggio intimo sulla lunga e tumultuosa carriera del fotoreporter Steve McCurry che ha trascorso oltre 40 anni viaggiando da solo per il mondo catturando istantanee che descrivono la complessità della vita umana. Interviste esclusive a familiari, amici, colleghi e al fotografo stesso svelano i retroscena di alcune delle fotografie più iconiche del XX secolo. Grazie a un accesso privilegiato al processo creativo del fotografo e a immagini inedite, scopriamo le vulnerabilità di McCurry e assistiamo al suo impegno in prima persona nel registrare ciò che definisce e unisce l'umanità.

The first intimate feature film about the long and tumultuous career of photojournalist Steve McCurry who spent over 40 years traveling alone around the world capturing snapshots that depict the complexity of human life. Exclusive interviews with family, friends, colleagues and the photographer himself bring to life the stories behind some of the most iconic photographs of the 20th century. With unique access to the photographer's creative process and never-before-seen images, we discover McCurry's vulnerabilities and his commitment to recording what defines and unites humanity.

photography

McCurry: la ricerca del colore
Denis Delestrac, Spain, 2021, 92’, Italian

regia / direction: Denis Delestrac
fotografia / photography:  Jordi Esgleas Marroi
montaggio / editing: Guillermo Cobo, Luis de la Madrid, David Fairhead
musica / music: Toni M. Mir 
suono / sound: Benoît Dame, Catherine Van Der Donckt
produzione / production: Polar Star Films, Intrepido Films, Steamroller Media A.I.E. 

Philip Guston (1913–1980) era figlio di immigrati ebrei provenienti da Odessa. Dopo essersi affermato come uno dei più eminenti rappresentanti dell’espressionismo astratto americano insieme a Mark Rothko e al suo amico d'infanzia Jackson Pollock, si avvicina alla pittura figurativa e, alla fine degli anni Sessanta, sconcerta il mondo dell'arte con i suoi dipinti fumettistici di figure incappucciate, simboli del male e del razzismo. Il suo lavoro continua a suscitare dibattiti come nel 2020 quando, alla luce dell'omicidio di George Floyd e del movimento Black Lives Matter, quattro rinomati musei hanno rinviato la sua grande retrospettiva temendo proteste di massa contro i suoi dipinti. Il film esplora il suo ritiro dal mondo dell'arte newyorkese facendoci entrare nel suo studio e nella sua casa a Woodstock accompagnati da sua figlia Musa Mayer.

Philip Guston (1913–1980) was the son of Jewish immigrants from Odessa. After having established himself as one of the most eminent representatives of American Abstract Expressionism, together with Mark Rothko and his childhood friend Jackson Pollock, he gravitated toward figurative painting and, in the late 1960s, bewildered the art world with his comic paintings depicting hooded figures, symbols of evil and everyday racism. Even today, his work provokes debates, most recently in 2020, when in the aftermath of George Floyd's murder and the Black Lives Matter movement, four renowned museums postponed his major international retrospective fearing mass protests against his paintings. The film explores his withdrawal from the New York world of art, as we are ushered into his studio and home in Woodstock accompanied by his daughter Musa Mayer.

art and environs

Painting, Smoking, Eating – The Painter Philip Guston
Marion Kollbach, Germany, 2023, 53’, English

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Marion Kollbach
fotografia / photography:  Christoph Valentien
montaggio / editing: Barbara Gies
musica / music: Christoph M. Kaiser & Julian Maas
suono / sound: Andrea Schmidt
produzione / production: 3B-Produktion

Da oltre 40 anni Thomas Schütte realizza opere sorprendenti utilizzando materiali vari come carta, argilla, vetro o bronzo. Il film mostra tutte le fasi di realizzazione di una sua scultura alta tre metri rappresentante una sirena. Questa creatura enigmatica, chiamata Nixe, nasce dalla collaborazione di Schütte con diverse officine, attraverso un complesso lavoro di squadra in cui ognuno contribuisce con le proprie conoscenze, alcune delle quali vecchie di secoli. Un gioco affascinante con materiali, idee e forme diverse. Seguiamo l’artista nel suo processo creativo, mentre riflette, ripensa e commenta il mondo racchiuso nelle sue opere.

For over 40 years Thomas Schütte has been creating astonishing works using paper, clay, glass or bronze. The film shows the creation of a three-metre high sculpture: a mermaid, placed in a New York gallery. This enigmatic creature, called Nixe, came into being as a result of Schütte's collaboration with various workshops, through complex teamwork in which everyone contributes their own knowledge, some of which is centuries old. A fascinating game with various materials, ideas and forms. In the middle of it all the artist thoughtful and always ready to rethink and comment the world embodied in his works.

art and environs

Thomas Schütte. I am not alone
Corinna Belz, Germany, 2023, 94’, English

EUROPEAN PREMIERE

regia / direction: Corinna Belz
fotografia / photography:  David Wesemann, Jule Katinka Cramer, Thomas Riedelsheimer, Hajo Schomerus
montaggio / editing: Rudi Heinen
musica / music: Christoph M. Kaiser & Julian Maas
suono / sound: Corinna Belz, Andreas Hildebrandt
produzione / production: Corinna Belz Filmproduktion, ZDF / ARTE

Il documentario ci conduce in un viaggio nell'immaginario dell'architetto veneziano Carlo Scarpa e nella sua profonda passione per la cultura giapponese. Il Giappone fu una sorgente inesauribile di ispirazione ma anche il luogo della sua morte avvenuta nel 1978, quando si trovava all'apice della sua carriera. Attraverso le suggestioni del filosofo giapponese Ryosuke Ōhashi, la narrazione si sviluppa attorno alla domanda sul significato della bellezza, accostando le opere di Scarpa all'estetica tradizionale giapponese. Grazie alle testimonianze di suo figlio Tobia, degli allievi Guido Pietropoli, Giovanni Soccol, Guido Guidi e del ricercatore J.K. Mauro Pierconti, riviviamo momenti emblematici della sua vita, a partire dall’amata Venezia, sua città natale.

The documentary takes us on a journey into the imagination of the Venetian architect Carlo Scarpa and his intense passion for Japanese culture. Japan was not only an endless source of inspiration for Scarpa but also the place of his death in 1978, when he was at the peak of his career. Through the insights provided by the Japanese philosopher Ryosuke Ōhashi, the narrative revolves around the fundamental question of the meaning of beauty, juxtaposing Scarpa's works with traditional Japanese aesthetics. Thanks to the testimonies of his son Tobia, and students Guido Pietropoli, Giovanni Soccol, and Guido Guidi, as well as researcher J.K. Mauro Pierconti, we relive emblematic moments of his life, starting from his beloved hometown of Venice.

architecture

Il padiglione sull’acqua
Stefano Croci, Silvia Siberini, Italy, Netherlands, United Kingdom, 2023, 77’, Italian, Japanese

regia / direction: Stefano Croci, Silvia Siberini
fotografia / photography:  Daniel Graf Brohwan, Stefano Croci
montaggio / editing: Paolo Cottignola, Carlotta Guaraldo
musica / music: Paolo Aralla
suono / sound: Pedro Lombardi Suzzi, María Luz González Ríos, Jacopo Bonora
produzione / production: Caucaso Factory, Freetowork, Pop Homage

In questo film, girato in occasione dell'apertura di una grande mostra alla Tate Britain di Londra, seguiamo il processo creativo dell’artista Cornelia Parker. Nata nel 1956 nella campagna del Cheshire da madre tedesca e padre inglese, ha sempre lottato per integrarsi e l'arte è stata la sua via di fuga. Per realizzare le sue opere usa esplosivi, rulli compressori, veleno di serpente, la lama stessa della ghigliottina che tagliò la testa a Maria Antonietta, trasformando i frammenti ammaccati, rotti e malconci di oggetti della vita quotidiana in simboli di bellezza. Da bambina, l’artista era solita mettere delle monete sui binari della ferrovia per vederle schiacciate, trasformate dalla loro banale utilità in qualcosa di più prezioso: opere d’arte.

This film, made to mark the opening of a major exhibition at the Tate Britain in London, follows the creative process of artist Cornelia Parker. Born in 1956 in rural Cheshire to a German mother and an English father, she has always struggled to fit in, and art has been her escape. She uses explosives, steam rollers, snake venom and the very blade of the guillotine that severed Marie Antoinette's head to create her works, transforming the bruised, broken and battered fragments of everyday objects into symbols of beauty. As a child, the artist used to place coins on railroad tracks to watch them be crushed, transformed from their ordinary utility into something far more precious: works of art.

art and environs

Imagine… DANGER! Cornelia Parker
Katy Homan, United Kingdom, 2016, 66’, English

regia / direction: Katy Homan
fotografia / photography:  Will Edwards, Tom Hayward, Doron Schlair
montaggio / editing: Alex Broad
suono / sound: Andy Hoare, Brian Miklas, Dave Scaringe, Alex Sierra, Chris Youle-Grayling
produzione / production: BBC Imagine

Fin dal 1985 le artiste attiviste anonime del collettivo Guerrilla Girls scendono in strada vestite di nero, con i volti coperti da grandi maschere da gorilla per coinvolgere il pubblico nella loro battaglia contro la discriminazione di genere e di razza nel mondo dell'arte. "Frida Kahlo" e "Kathe Kollwitz" sono gli pseudonimi adottati da due delle artiste mentre agiscono come Guerrilla Girls. Ripercorrendo la loro storia, questo film esplora la rilevanza e l'impatto della loro lotta per l'uguaglianza.

Since 1985, the anonymous collective of women artists-activists Guerrilla Girls have taken to the streets dressed in black, with their faces concealed behind large gorilla masks, engaging the public in their battle against the gender and racial discrimination in the art world. "Frida Kahlo" and "Kathe Kollwitz" are the pseudonyms adopted by two of the members when they operate as Guerrilla Girls. Tracing their history, this film explores the relevance and impact of their fight for equality.

art and environs

Guerrilla Girls - Art21
Malika Zouhali-Worrall, United States, 2023, 17’, English

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Malika Zouhali-Worrall
fotografia / photography:  Naiti Gámez
montaggio / editing: Steven J. Golliday
musica / music: Andrew Orkin
suono / sound: Emily Strong
produzione / production: ART21, Danielle Varga

Questo documentario restituisce nuova luce alla figura di Dora Maar rivendicando la sua autonomia artistica rispetto alla preponderante presenza di Picasso al quale fu legata in una lunga e tormentata relazione amorosa tra il 1936 e il 1946. Nel corso di un'intervista dettagliata, Victoria Combalía, curatrice della mostra tenutasi a Palazzo Fortuny a Venezia nel 2014 e biografa di Dora Maar, ripercorre la sua vita e il suo lavoro nel contesto artistico del Surrealismo e della fotografia degli anni Trenta in Francia. Il racconto è arricchito dalle testimonianze di altre persone legate all'arte d'avanguardia che la conoscevano bene.

This documentary sheds new light on the figure of Dora Maar by establishing her artistic autonomy from the overwhelming presence of Picasso to whom she was linked in a long and troubled love affair between 1936 and 1946. In an in-depth interview, Victoria Combalía, curator of the exhibition held at Palazzo Fortuny in Venice in 2014 and biographer of Dora Maar, trace her life and work in the artistic context of Surrealism and photography in 1930s France. The account is embellished by the testimonies of other people connected with avant-garde art who knew Dora well.

photography

Dora Maar a pesar de Picasso
Alejandro Lasala, Victoria Combalía, Spain, 2014, 56’, Spanish, French, Italian

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Alejandro Lasala, Victoria Combalía
fotografia / photography:  Salvatore Anversa, Tiziano Casanova, Dalmau Alexandre, Enric Juste
montaggio / editing: Enric Juste, Pablo Van Damme
musica / music: Charlotte Machut, Kevin Macleod, Gabe Noel, Gian Paolo Stuani, Ginger Tom, Kai Engel, Marcel Pequel, Re-Lab, Música Henchida y Vacía, Aufklarung
suono / sound: Enric Espinet (B.S.O.) 
produzione / production: Althea Media S.L

LOT-EK è uno degli Studi di architettura più visionari e apprezzati degli Stati Uniti. Fondato dagli architetti napoletani Ada Tolla e Giuseppe Lignano, da oltre trent’anni crea spazi architettonici e artistici unici riutilizzando vecchi container navali e altri materiali di scarto della nostra economia industrializzata. Grazie alla loro ricerca creativa, sono stati dei precursori del riutilizzo adattivo e della costruzione ecologica. Questo documentario è una lunga indagine sulla loro pratica provocatoria e una ricetta contro i mali di una società iper-consumistica.

LOT-EK, founded by Neapolitan architects Ada Tolla and Giuseppe Lignano, is among the most visionary and esteemed architecture studios of the United States. For over 30 years, they have been creating unique architectural and artistic spaces by repurposing shipping containers and other waste materials of our industrialized economy. As a result of their creative exploration, they have pioneered adaptive reuse and ecological construction. This documentary is a feature-length examination of their provocative practice and a recipe against the evils of our hyper consumeristic society.

architecture

We Start with the Things We Find
Thomas Piper, United States, 2023, 81’, English

SPECIAL SCREENING | WORLD PREMIERE

regia / direction: Thomas Piper
fotografia / photography:  Thomas Piper
montaggio / editing: Inés Vogelfang
musica / music: Charles Gansa
suono / sound: Bill Donnelly
produzione / production: Five Seasons Media

Considerato oggi uno dei più grandi pittori francesi del dopoguerra, Nicolas de Staël, nato a San Pietroburgo nel 1914, ha dato alla sua breve vita una dimensione sacrificale, spingendo sempre più lontano la sua ricerca artistica. Creatore instancabile, avventuriero nomade e amante appassionato, questo genio tormentato si è impegnato in un intenso corpo a corpo quotidiano con la pittura, fino al suicidio nel 1955, all'età di 41 anni. Concentrandosi sul suo ultimo anno di vita ad Antibes, il regista utilizza la ricca corrispondenza del pittore per esplorare la sua personalità e far sentire la sua voce. Testimonianze audio di amici e parenti stretti, filmati d'archivio e riprese di luoghi emblematici, danno vita a un ritratto intimo dell'artista.

Considered today one of the greatest French painters of the post-war period, Nicolas de Staël, born in St. Petersburg in 1914, gave his short life a sacrificial dimension, pushing his artistic research ever further. A tireless creator, nomadic adventurer and passionate lover, this tormented genius engaged in intense daily hand-to-hand combat with painting until his suicide at the age of 41 in 1955. Focusing on the de Staël’s last year of life in Antibes, director uses the painter's extensive correspondence to explore his psyche and make his voice heard. Audio testimonies from close friends and relatives, archival footage and footage of emblematic locations create an intimate portrait of the artist.

art and environs

Nicolas de Staël, la peinture à vif
François Lévy-Kuentz, France, 2023, 52’, French

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: François Lévy-Kuentz
autori / authors: François Lévy-Kuentz, Stéphane Lambert, Stéphan Lévy-Kuentz
fotografia / photography:  Olivier Raffet
montaggio / editing: Christine Marier
musica / music: Hiroki Ishikura
produzione / production: Temps noir / ARTE France

Situata nel cuore della regione della Mosa, l'associazione culturale Vent des forêts ospita un centinaio di opere di artisti internazionali distribuite su 45 chilometri di sentieri forestali. Il film ripercorre quest'avventura iniziata nel 1997 come un improbabile incontro tra due mondi completamente diversi: la vita rurale e l'arte contemporanea. Gli artisti, ospitati nelle case degli abitanti del posto, lavorano con gli artigiani locali. Questo esperimento collettivo, unico in Francia, si è concretizzato recentemente in un centro nazionale per l'arte contemporanea che permette agli artisti di dialogare con un patrimonio unico: la foresta.

Located in the heart of the Meuse region, the Vent des forêts cultural association is home to a hundred works by international artists spread over 45 kilometers of forest trails. Olivier Comte’s film retraces this adventure, which began in 1997, an unlikely encounter between two worlds that everything opposes: rurality and contemporary art. The artists, hosted in the homes of local residents, work with local artisans. This collective experience, unique in France, has recently become a center of contemporary art of national interest, allowing artists to dialogue with a unique heritage: the forest.

art and environs

Quand l’art sème en forêt
Olivier Comte, France, 2022, 52’, French

ITALIAN PREMIERE

regia / direction: Olivier Comte
fotografia / photography:  Damien Faure, Virginie Kahn, Eric Ebstein
montaggio / editing: Damien Faure
musica / music: Pierre Estève
suono / sound: Damien Faure, Virginie Kahn, Eric Ebstein
produzione / production: APRES Production

Il film, vincitore del Leone d’Oro alla 79a Mostra del Cinema di Venezia, racconta l’epopea umana e artistica di Nan Goldin, una delle più influenti fotografe contemporanee diventata attivista per la battaglia contro l'azienda farmaceutica Purdue della famiglia Sackler, ritenuta responsabile delle migliaia di morti per overdose di ossicodone negli Stati Uniti. Diapositive, fotografie, dialoghi intimi e filmati inediti delle azioni del gruppo P.A.I.N., fondato dall’artista per denunciare i Sackler, si intrecciano con le sue vicende biografiche. Seguiamo il suo percorso di vita tumultuoso e appassionante: dal difficile rapporto con i genitori al trauma per il suicidio della sorella Barbara, dalla fuga da casa alle difficoltà economiche, fino al successo nel mondo dell’arte.

The film, winner of the Golden Lion at the 79th Venice Film Festival, tells the human and artistic epic of Nan Goldin, one of the most influential contemporary photographers who became an activist in the battle against the Sackler family's pharmaceutical company Purdue, responsible for the thousands of oxyContin overdose deaths in the United States. Slides, photographs, intimate dialogues and unpublished footage of the actions of the P.A.I.N. group, founded by the artist to denounce the Sacklers, are intertwined with her biographical events. We follow her tumultuous and exciting life path: from the difficult relationship with her parents to the trauma of her sister Barbara's suicide, from running away from home to economic difficulties, up to success in the art world.

photography

Tutta la bellezza e il dolore
Laura Poitras, United States, 2022, 113’, English

regia / direction: Laura Poitras
fotografia / photography:  Nan Goldin
montaggio / editing: Amy Foote, Joe Bini, Brian A. Kates, A.C.E.
musica / music: Soundwalk Collective
produzione / production: Participant Media, Praxis Films, HBO Films
distribuzione / distribution: I Wonder Pictures

Per oltre due anni Wim Wenders ha seguito il percorso di Anselm Kiefer, uno degli artisti più innovativi del nostro tempo. Il film segue Kiefer dalla nativa Germania alla sua attuale casa in Francia, collegando le tappe della sua vita ai luoghi fondamentali della sua carriera che abbraccia oltre cinque decenni. Un’esperienza cinematografica del lavoro dell'artista che indaga l'esistenza umana e la natura ciclica della storia ispirandosi a letteratura, poesia, filosofia, scienza, mitologia e religione.

For over two years, Wim Wenders followed the journey of Anselm Kiefer, one of the most innovative artists of our time. The film traces Kiefer from his native Germany to his current home in France, connecting the milestones of his life to the pivotal places in his career spanning over five decades. It is a cinematic exploration of the artist's work that delves into human existence and the cyclical nature of history, drawing inspiration from literature, poetry, philosophy, science, mythology, and religion.

art and environs

 Anselm
Wim Wenders, Germany, 2023, 93’, German, English

regia / direction: Wim Wenders
fotografia / photography: Franz Lustig
montaggio / editing: Maxine Goedicke
musica / music: Leonard Küßner
suono / sound: Régis Muller
produzione / production: Road Movies
distribuzione / distribution: Lucky Red